«I am what I am» es un tema inédito interpretado en 1999 por la cantante española Marta Sánchez junto a Gloria Gaynor, durante su participación en el programa de televisión Séptimo de Caballería. La actuación se emitió en TVE 1 el 1 de febrero de 1999, dentro del especial dedicado a Gaynor, que contó con Marta como invitada para compartir uno de los títulos más conocidos de su repertorio.

INFORMACIÓN GENERAL

El 1 de febrero de 1999, Marta Sánchez acompañó a Gloria Gaynor en el especial que Séptimo de caballería dedicó a la cantante estadounidense. Juntas interpretaron «I am what I am», una de las canciones más conocidas de Gaynor. Esta colaboración de Marta quedó fuera de su discografía comercial y pasó a formar parte de su repertorio inédito y no publicado.

Dirigido y presentado por Miguel Bosé, el programa Séptimo de caballería se estrenó en TVE 1 el 14 de septiembre de 1998 con una apuesta por la música en directo. Disponía de tres escenarios para acoger desde interpretaciones con guitarra y voz hasta actuaciones con orquesta. Las entrevistas buscaban la cercanía de una conversación entre compañeros de profesión, aprovechando la relación de Bosé con muchos de los invitados. El formato también propiciaba colaboraciones poco habituales, preparadas para el programa. Durante su etapa de 1999, el espacio recibió a artistas de estilos tan distintos como Montserrat Caballé, Pedro Guerra, Blur, Garbage y Gloria Gaynor. La participación de Marta Sánchez junto a Gaynor respondía a esa propuesta de reunir voces sobre el escenario.

El tema «I am what I am» nació en el musical La Cage aux Folles, con música y letra de Jerry Herman. George Hearn la interpretó originalmente en Broadway en 1983, encarnando a Albin, y su versión se incluyó en el álbum La Cage aux Folles (Original Cast Recording) de ese mismo año. En la obra, la canción expresa la respuesta del personaje ante el rechazo: una defensa de su identidad y de su derecho a vivir sin ocultarse. Gloria Gaynor llevó la composición del escenario teatral a las pistas de baile. Publicó su adaptación como sencillo en 1983 y la incorporó al álbum I Am Gloria Gaynor, editado en 1984. Su interpretación mantuvo el mensaje del original y lo acercó a un público más amplio.

Aunque aquel dúo no se publicó en un álbum ni como sencillo, la colaboración tuvo continuidad en los escenarios. En agosto de 2014, Marta Sánchez y Gloria Gaynor volvieron a interpretar «I am what I am» en Divas, el espectáculo que compartieron el día 6 en el Starlite Festival de Marbella y el día 8 en el Parque del Pinaret de Cambrils. El repertorio combinaba actuaciones individuales con momentos en los que ambas unían sus voces. «I am what I am» recuperaba así el encuentro televisivo de 1999, mientras que «I will survive» las reunía de nuevo para cerrar el concierto. Quince años después de su paso por Séptimo de caballería, el público pudo verlas compartir estas canciones en un espectáculo en directo.

LETRA Y COMPOSICIÓN

La letra de «I am what I am» narra una historia centrada en la aceptación de uno mismo y en el derecho a vivir sin esconder la propia identidad. Más que contar una sucesión de acontecimientos, presenta a una persona que toma la palabra para defender quién es. «I am what I am» —«Soy lo que soy»— expresa una certeza que se repite a lo largo de la canción: su dignidad no depende de la aprobación de los demás.

Desde el comienzo, «I am my own special creation» —«Soy mi propia creación singular»— introduce la idea de una identidad construida y reconocida como propia. La protagonista invita a los demás a mirarla y acepta que puedan rechazarla o aplaudirla. «Give me the hook or the ovation» —«Sacadme del escenario o dadme una ovación»— utiliza una imagen teatral para representar esas dos respuestas. Lo decisivo es que está dispuesta a mostrarse, aun sin saber cómo será recibida.

Esa exposición tiene un propósito concreto: poder sentirse orgullosa del lugar que ocupa. «It’s my world that I want to have a little pride in» —«Es mi mundo y quiero poder sentirme un poco orgullosa de él»— habla de una aspiración sencilla, la de vivir a gusto con lo que uno es. El verso siguiente, «My world and it’s not a place I have to hide in» —«Mi mundo no es un lugar en el que tenga que esconderme»— señala lo que está en juego. Ocultarse significa convertir la propia vida en un espacio donde ni siquiera se puede actuar con libertad.

La segunda estrofa precisa qué clase de reconocimiento busca. «I don’t want praise, I don’t want pity» —«No quiero elogios, no quiero lástima»— rechaza tanto la necesidad de recibir aprobación constante como la mirada condescendiente. La protagonista quiere ser tratada como alguien capaz de decidir por sí misma. Esa independencia aparece en «I bang my own drum / Some think it’s noise, I think it’s pretty» —«Toco mi propio tambor; algunos creen que es ruido, a mí me parece hermoso»—. Una misma forma de expresarse puede resultar molesta para unos y valiosa para quien la siente como propia.

Las referencias a los adornos llevan esa discusión al terreno de la apariencia. «And so what if I love each sparkle and each bangle?» —«¿Y qué si me encantan los brillos y las pulseras?»— cuestiona que una preferencia estética pueda convertirse en motivo de juicio. La respuesta no consiste en renunciar a ella, sino en pedir otra mirada: «Why not try to see things from a different angle?» —«¿Por qué no intentar ver las cosas desde otro ángulo?»—. La canción invita a revisar el prejuicio antes de exigir que alguien cambie para encajar.

En la tercera estrofa, «And what I am needs no excuses» —«Y lo que soy no necesita excusas»— da un paso más. La protagonista deja de justificar su identidad y asume también las decisiones que toma. «I deal my own deck / Sometimes the ace, sometimes the deuces» —«Reparto mis propias cartas; unas veces sale el as, otras los doses»— presenta la vida como una partida con resultados desiguales. Defender la libertad personal implica aceptar la posibilidad de equivocarse o perder, sin entregar por ello a otros el derecho a decidir.

La conciencia de que solo existe una vida vuelve urgente esa libertad. «One life, so it’s time to open up your closet» —«Una sola vida, así que es hora de abrir tu armario»— introduce una alusión clara a dejar de ocultar la identidad, especialmente reconocible desde la experiencia de las personas LGBT+. El verso anima a abandonar el encierro, aunque la letra no concreta una orientación sexual o una identidad de género. Su afirmación puede ser reconocida por cualquiera que haya sentido la presión de esconder una parte de sí.

La repetición del título cambia de fuerza a medida que avanza la canción. Al principio parece una presentación; después se convierte en una respuesta al rechazo y, finalmente, en una afirmación que ya no necesita defenderse. El paso de decir a gritar esas palabras sugiere que la protagonista ha ganado la confianza necesaria para hacerse escuchar.

El cierre desarrolla esa confianza mediante cualidades concretas. «I am strong» —«Soy fuerte»—, «I am worthy» —«Soy una persona valiosa»— e «I belong» —«Tengo mi lugar»— unen la autoestima con el deseo de pertenecer. La independencia que defiende la canción no exige quedarse al margen de los demás: reclama poder formar parte del mundo sin renunciar a uno mismo. Cuando afirma «I am somebody» —«Soy alguien»—, la protagonista expresa la necesidad más básica que recorre toda la letra: ser reconocida como una persona con valor propio.

En el plano musical, la versión de «I Am What I Am» de Marta Sánchez y Gloria Gaynor se sitúa dentro del disco-pop. Desde el punto de vista rítmico, la pieza está construida en compás de 4/4, con la pulsación regular característica del disco. Sin embargo, al tratarse de una interpretación en directo, el tempo no permanece matemáticamente fijo. Se detecta una zona inicial todavía inestable —en torno a 117-123 bpm durante la introducción—, mientras que una vez asentada la base rítmica, el pulso se concentra con mucha claridad alrededor de 136 bpm. En el tramo final la interpretación gana impulso y la estimación se acerca a 143,5 bpm. Esta evolución no debe entenderse como un cambio programado de tempo propio de una producción electrónica, sino como el comportamiento de una interpretación viva. La aceleración es gradual y coincide con el aumento de intensidad del final, proporcionando una sensación creciente de empuje. Musicalmente, por tanto, puede considerarse 136 bpm como referencia principal, con una aceleración perceptible hacia el clímax.

El análisis tonal resulta especialmente interesante porque la canción no permanece en una única tonalidad durante toda su duración, sino que atraviesa varias regiones armónicas. En la primera parte predomina Fa mayor, con afinidades hacia Do mayor, Re menor y Si bemol mayor. Más adelante, el perfil armónico apunta hacia Re mayor y, en el tramo final, hacia Do sostenido mayor, donde parece mantenerse hasta casi el cierre. La continuidad de estas regiones sugiere posibles cambios sostenidos de centro tonal. No obstante, para confirmar las modulaciones sería necesario examinar la progresión de acordes y las cadencias. Los resultados tampoco permiten determinar si esos cambios responden a la tesitura de las cantantes o a otras decisiones del arreglo.

En cuanto a la instrumentación, puede identificarse con seguridad una base rítmica de batería y percusión, con bombo marcando regularmente el pulso, ataques de caja y presencia continua de elementos agudos compatibles con charles y platos. El espectrograma muestra ataques de banda ancha repetidos y una energía percutiva sostenida que no deja dudas sobre la existencia de una sección rítmica claramente definida.

También existe una línea grave de bajo muy marcada. Sin embargo, el máster no permite determinar de manera inequívoca si toda esa función procede de un bajo eléctrico, de un teclado grave o de una combinación de ambos. Por ello, la denominación rigurosa es línea o función de bajo, evitando atribuirla a un instrumento físico concreto sin documentación adicional.

La armonía se completa mediante instrumentos de acompañamiento de registro medio, pero aquí la precaución debe ser todavía mayor. El sonido permite reconocer acordes y capas sostenidas propias de una formación pop/disco, aunque la compresión y el carácter prácticamente monofónico de la copia impiden separar con precisión piano, teclados, guitarra o posibles capas adicionales. Aunque algunos timbres pueden recordar a teclados, guitarra rítmica o metales, no existe base suficiente en este archivo para etiquetar cada uno de ellos como instrumento independiente con absoluta certeza.

La interpretación vocal constituye, en realidad, el elemento central de la versión. Gloria Gaynor y Marta Sánchez utilizan colores vocales claramente diferenciados. Gaynor aporta un timbre más oscuro, robusto y asentado en el registro medio, acompañado de un fraseo muy ligado a su tradición soul y disco. Marta presenta una voz más brillante y frontal, con ataques más incisivos y una proyección que destaca especialmente cuando la melodía asciende.

La interacción entre ambas evita convertir la actuación en una simple repetición de la versión de Gaynor con una invitada añadida. Las voces se alternan y, conforme avanza la canción, el contraste tímbrico se convierte en uno de los principales recursos del arreglo. La diferencia entre el peso vocal de Gaynor y el mayor brillo de Marta permite distinguirlas incluso dentro de una grabación técnicamente limitada.

En los momentos de mayor intensidad se producen superposiciones y respuestas entre ambas voces, hasta llegar a un tramo final mucho más expansivo. Ese crecimiento coincide con el aumento de tempo y con los cambios tonales detectados, de manera que la estructura musical y la interpretación vocal avanzan en la misma dirección: cada nueva sección incrementa la sensación de afirmación y culminación.

También conviene subrayar que la actuación fue realizada en directo. Séptimo de caballería nació precisamente como una alternativa al predominio del playback televisivo, y la documentación contemporánea insistía en que las actuaciones se realizaban en vivo. Esto hace especialmente relevantes pequeñas variaciones de tempo, dinámica y articulación que en una grabación de estudio probablemente habrían sido corregidas o estabilizadas.

En conjunto, la versión de «I Am What I Am» interpretada por Marta Sánchez y Gloria Gaynor puede definirse como una reinterpretación en directo de disco-pop y vocal disco, construida sobre la adaptación popularizada por Gaynor de la composición teatral de Jerry Herman. El compás es 4/4 y el núcleo de la actuación se mueve alrededor de 136 bpm, con una aceleración hacia unos 143 bpm en el cierre. Tonalmente, la primera gran parte se organiza alrededor de fa mayor, seguida de desplazamientos sostenidos hacia re mayor y finalmente do sostenido mayor. Desde el punto de vista instrumental, pueden afirmarse con seguridad la presencia de una base de batería y percusión y una función grave de bajo, además del entramado armónico que sostiene a las voces.

Su rasgo más importante termina siendo precisamente su condición de directo. La ligera aceleración progresiva, la construcción tonal, el carácter prácticamente monofónico de la fuente televisiva y, sobre todo, el contraste entre las voces de Gloria Gaynor y Marta Sánchez convierten la interpretación en algo diferente a una reproducción del éxito original. La canción conserva su impulso disco, pero adquiere un carácter más escénico y competitivo en el mejor sentido del término: dos voces de gran proyección que van elevando conjuntamente la intensidad hasta un final claramente concebido como clímax.

VERSIONES Y USO EN RECOPILATORIOS

La canción nunca ha sido incluida en ningún álbum, single o recopilatorio oficial de Marta Sánchez, por lo que permanece fuera de su discografía publicada y se considera parte de su material inédito.

VERSIONES	ISRC	Álbum · Single · Maxi-Single	Duración
«I am what I am» con Gloria Gaynor	–	–	4:09